Cuando se habla de una de las grandes obras de Tarantino como lo fue ‘Érase una vez en Hollywood‘ en el cine, lo primero que suele venir a la cabeza son los actores, la estética setentera o la manera en que el director revisita los fantasmas de Los Ángeles en 1969. Sin embargo, hay un detalle que pasa desapercibido y que fue fundamental para darle alma a la película: una elección sonora que hizo que sonara como si de verdad estuvieras conduciendo por Sunset Boulevard hace más de medio siglo.
Quentin Tarantino logró que ‘Érase una vez en Hollywood’ te hiciera sentir que estabas subido al asiento del copiloto en el caótico, soleado y musical Los Ángeles de 1969. No lo consiguió solo con las canciones de fondo, sino gracias a un ingrediente esencial que muchos pasan por alto: los anuncios de radio reales de la época.
El director y su música supervisora, Mary Ramos, rastrearon unas diecisiete horas de cintas originales de la KHJ-AM, la emblemática estación «Boss Radio» de Los Ángeles, grabadas entre 1968 y 1969. De ese montón de horas hicieron una selección cuidadosamente reducida que sirvió como «biblia sonora» para la película.
Pero no se quedaron ahí: fueron más allá de la música, incluyendo jingles publicitarios, comentarios de locutores, eslóganes y esos fragmentos que se te quedan pegados al cerebro como el «By Mennen» de la época que se hizo popular en radio y televisión y que, sin querer, crecieron con toda una generación.
Al meterse de lleno en ese mundo radiofónico, Tarantino no solo consiguió una banda sonora: recreó una atmósfera. La radio era una parte esencial del paisaje diario llena de anuncios de perfumes, colonias, protector solar, coches… y mucho rollo superficial que definía el sonido y la textura de la época.
De los DJs a los jingles pegadizos
En la banda sonora oficial del filme se incluyen fragmentos de DJs como Don Steele o Charlie Tuna, anuncios ficticios como «Heaven Sent» y melodías que transmiten esa chispa nostálgica y hasta desasosegante de los sesenta. El resultado es una mezcla única: sonidos reales de la época combinados con canciones pop-rock de radiodifusión pura, que se retroalimentan para sumergir al espectador en ese verano eterno y vacío que antecede el desastre de los asesinatos de la familia Manson.
Mary Ramos, su music supervisor de toda la vida, fue clave en transformar todo ese legado auditivo en una experiencia sensorial para la pantalla. Juntos evitaron caer en trampas anacrónicas, rechazando incluso propuestas de nuevos temas o versiones modernas (como algunas ofrecidas por Lana Del Rey) porque Tarantino quería algo genuino, nacido exclusivamente antes de 1970.
El impacto no solo fue emocional, sino narrativo: as canciones elegidas como «Hungry» de Paul Revere & the Raiders o «California Dreamin'» de José Feliciano no solo se usaban como música de fondo: se entrelazaban con el relato, con referencias históricas (como el vínculo de Manson con ciertas figuras de la industria musical) que daban un sentido único a cada escena.
Tarantino no se limitó a añadir canciones vintage a su película: llevó al espectador a 1969 usando la radio como máquina del tiempo. Gracias a un tesoro de grabaciones originales, incluyendo anuncios, voces de locutores y jingles pegadizos, logró construir un universo sonoro que ya no suena como los sesenta, sino como los sesenta filtrados por una memoria saturada de humo de coche, calor californiano y nostalgia pura.
Foto de Screen Rant
En Espinof | El error garrafal de Quentin Tarantino. Creo que el cineasta se equivocó al hablar antes de tiempo sobre su retirada